Station To Station

  • Label : RCA
  • Format : Album / CD Vinyle K7 Audio
  • Date de sortie : 23/01/1976

Station To Station est un album charnière dans la carrière de Bowie. Il fait en effet le pont entre l'Amérique de Young Americans (dans laquelle il étouffait littéralement) et la musique européenne qui allait suivre.
Le morceau titre est une des plus belles réussite de l'homme. En 10 minutes, 2/3 mélodies sont utilisées, et le texte évoque un voyage en train de l'Amerique vers l'Europe: voila qui est bien parlant !
Pourtant l'Amérique reste très présente sur le disque. "Golden Years" était à l'origine écrite pour Elvis Presley. Elle comporte d'excellentes guitares funky et de drôles de choeurs ."TVC 15" est une composition assez étrange:elle est l'aboutissement de la technique du cut-up que Bowie utilisait à l'époque. Très glam dans son chant, l'instrumentation est pourtant novatrice, et laisse entrevoir les experimentations berlinoises. Sur "Wild Is The Wind", Bowie fait étalage de la beauté de son chant. "Stay" est une autre chanson marquée par la musique noire, et sa rythmique saccadée est très entrainante. Enfin,"Word On A Wing" fait office de très belle ballade.
Voilàun album d'exception montrant bien la démarche de Bowie à l'époque, qui tentait de sortir de l'impasse. Malheureusement six titres (d'exception ok... mais quand même !), ça pèse pas lourd. Voilà ce qui m'a fait lui mettre 19 au lieu de 20. Mais ne vous leurrez pas, c'est un indispensable!

Exceptionnel !! 19 / 20

par Joe the lion

Posté le 26/06/2008
Une limousine noire traverse le désert pour rejoindre Los Angeles. David Bowie, tout de noir vêtu, un chapeau mou de gangster vissé sur la tête, est installé sur le siège arrière, en pleine chaleur. Il regarde le paysage défiler, absorbé par la lumière, gesticulant sur Aretha Franklin dont le rythme fait remuer le menton de la groupie silencieuse assise juste devant. Bowie rit, raconte une anecdote, on dirait un jeune garçon amusé. Soudain, coupé dans son élan, il proteste : "there's a fly in my milk !". Il plonge son doigt dans le pack de lait fraichement ouvert. Il a l'air dégouté puis rit, excité comme un adolescent parlant décrivant la mouche comme un "corps étranger".
Bowie réside à Los Angeles où règne un calme superficiel. Bowie est charmé. Il chante Orwell en regardant un crâne, s'approprie la Plastic soul pour jouer au nazillon chicos. Le vide peut prendre tous les aspects tant que ça reste vide, et c'est ce que Bowie fait sous influence. Et ça va mal. Très mal. A force de s'évider avec cynisme Bowie traverse la pire période de son existence. Il voit des fantômes partout, ne sors plus de chez lui, pèse très peu, agrandit sa bibliothèque sur le nazisme, se nourrit exclusivement de lait et sniffe des bras de cocaïne à longueur de temps. Le monde se réfracte, Bowie se liquéfie au milieu de nulle part : "Je me souviens que c'était à L.A parce que je l'ai lu" dira t-il. Cette dissolution dans l'anonymat se révèle être a posteriori une puissante maturation. Du loupé Diamond Dogs au trop évident Young Americans va se produire la plus belle alchimie de sa carrière : "Station to Station", captation d'une métamorphose où le papillon s'envole là où on l'aurait cru presque mort. Dans sa chute interminable, Bowie et ses sinus rédigent leurs mémoires : The Return of the Thin White Duke. Le Maigre Duc Blanc est sa nouvelle incarnation (sa dernière devait-il penser). Les cheveux plaqués en arrière, sans maquillage, un costume noir épousant ses formes squelettiques, le Duc sort tout droit de la république de Weimar. Il se tient à distance, vide et inquiétant comme un mauvais rêve. On est loin de la surenchère Ziggy, simple coup de théâtre à paillette sans fond véritable dont il n'arrive pas à se débarrasser. Bowie vraisemblablement ne sait plus qui il est. Il étire la distance vis à vis des autres comme de lui-même. Bowie pousse la dépersonnalisation et s'immerge dans le Duc afin de convertir le vide qui l'envahit en une puissance esthétique. Hors de question de jouer au mime Marceau, il ne s'agit plus d'un jeu mais de survie, la vitre est réelle. Dès lors Bowie va fantasmer une fuite de Los Angeles, cet "endroit de merde (qui) devrait disparaître de la planète". Le raffinement européen, véritable antithèse du baroque qui le suce, va polariser toute sa créativité et construire son personnage qui l'entraîne déjà dans une purge à la sauce expressionniste. Station to Station est la trace de cette mue d'un Bowie étiré entre le vide qui lui vole son souffle (Los Angeles) et une fuite qui l'aspire (l'Allemagne).

L'album commence par Station to Station, chanson éponyme de dix minutes, la plus longue de sa carrière mais aussi la plus complexe. 1er acte. Un bruit lointain de locomotive se fait entendre, le vinyle tourne, fait partie de l'engin qui se rapproche, lentement. Le son est embué de flanger à la manière d'une réminiscence. (Pierre Schaeffer n'est pas au rendez-vous mais Kraftwerk y sera un an plus tard avec Auto-Bahn). Le train se rapproche encore, le phantasme de l'Europe s'incarne et capte notre imaginaire. Carlos Alomar pose quelques sons métalliques de sa Fender, un larsen aigue se dépose sur les rails, un piano de cabaret joue deux notes, la basse une ligne, la batterie claque et c'est l'explosion. 2ème acte. Un funk lent, mécanique, minimal et résolument irrésistible prend le relais. La guitare se décroche en des plaintes grasses et abstraites, le larsen s'intensifie encore et le tout collapse à nouveau. Le Duc entre en scène : "the Returrrrnnnn of the Thin White Duke !". La mécanique reprend sa lancé vers l'Eldorado européen. Le Duc enveloppe la marche d'harmonies vocales inhumaines, rapides et complexes, à la manière d'imprécations. Ce chant n'appartient pas à un être humain mais plutôt à une entité et toute la liberté que cette dernière peut déployer teinte la musique d'une dimension inquiétante, loin du sentiment comme de la morale. Quelques variations enlevées et protéiformes et soudain le rythme s'agite, se double pour se muer en une pulsation digne de Rebel Rebel. Un défilé d'enseignes vulgaires de casino prennent le pas en un revers de médaille proprement époustouflant. Les affres du vide tournoient dans un saut d'humeur qui s'échoue sur un contretemps ouvrant le 3ème acte. La musique s'excite dans tous les sens, les Young Americans vampirisent le groupe, tout est speedé, disco et joyeusement artificiel. Le charleston appuie un swing glamour et le piano enchaîne les arpèges. Le Duc chante avec sarcasme : "It's not side effect of the cocaïne, I'm thinking it must be love". La guitare d'Alomar devenue stonienne irrigue la pulsation d'un solo rock'n'roll bien phallique et pendant quatre minutes la musique tournera en rond et Le Duc répétera ces mêmes paroles ironiques, absurdes, dominées par une excitation où tout est rose sans l'être du tout : "It's Too Late, it's too late to be late again, it's too late..." jusqu'à se demander "Mon visage montre t-il un certain genre de lueur ?".
Bowie avait composé un morceau pour Elvis mais celui-ci le refusa. Son rejet se comprend en écoutant Golden Years deuxième titre de l'album. Bowie réinterprète le chant du King comme Miles Davis agita le funk de Sly trois ans plus tôt . Toutes les sonorités sont très éloignées les unes des autres ce qui a pour effet d'établir un large spectre sonore liant claquement de doigt, percussions espagnolisantes, melodica sans reverb et guitare funky. C'est dans cette forme sèche de psychédélisme que Bowie intègre l'esthétique du Krautrock. Le Duc chante d'un ton désabusé, presque à la limite du murmure, du souffle d'un fatigué qui ne peut donner plus, peut être à l'image du Elvis sur la fin. Puis le Maigre Duc Blanc se réveille, envoie un refrain à pleine gorge dans une luxure d'arrangement et de cordes sèches pour venir s'écrouler à nouveau sur le funk médium. Le morceau ne cessera d'hoqueter entre des moments quelque peu blasés, et ces trouées dynamiques d'une beauté sans pareille (la cocaïne doit y être encore pour quelque chose, la mélancolie également). Les Golden Years s'éloignent peu à peu dans une reverb ambiante et Le Duc siffle un air léger. Tout se clos au loin, les souvenirs s'estompent et leurs contours s'irradient dans une lumière pareille. Elvis mourra peu de temps après.
Bowie sur le tournage de L'Homme qui venait d'ailleurs, imprégné du Duc, passe la pire journée de sa vie. Sans doute le contre coup démentiel de tous ses excès non purgés, de ce vide qui le dessine de l'intérieur. Terrifié par l'effondrement qui l'assaille, il compose la ballade Word On a Wing pour se protéger du mal qui le ronge. C'est l'unique composition dans laquelle Bowie fait référence à Dieu (il dit l'avoir composé comme un cantique). D'ailleurs sa voix n'a jamais été aussi hantée. C'est un appel déchirant et même si l'ensemble reste esthétisée, cela reste le thème le plus introspectif de Bowie. La musique est somptueuse, riche en ornements justes. Un rythme flamenco, un piano proche des envolées baroques d' Alladin Sane, une guitare sèche pleine et calme, un orgue en arrière, et un travail sur les voix qui touche la grâce des chants religieux. La musique transporte, s'élève en des passages harmoniques d'une grande richesse afin de conjurer une insupportable mélancolie. Word On A Wing démontre que la mégalomanie peut parfois être une très belle chose lorsque la folie est à sa mesure.
TVC 15 démarre comme une blague. Le Duc y raconte une mésaventure de son ami tout droit sortit de l'hôpital, Iggy Pop, qui aurait vu sa petite amie du moment se faire dévorer par la télévision, sans doute sous l'effet d'un psychotrope costaud.. Des guitares criardes envoient un vent de panique et de défonce qui colle l'espace sur nos têtes. Il est délicat de définir le point de vue de Bowie sur la vision de sa mascotte. Soit il est détaché et trouve la situation ironique après que les Stooges aient composé T.V Eye, soit l'angoisse est telle qu'il hésite sur les termes, ne sait comment décrire (en somme lui aussi assista au drame dans un état spécial). De toutes manières Bowie a tant cultivé l'indiscernable qu'il est impossible de capter l'expression exacte de son intervention. Le refrain quant à lui réactive les gros sons de guitare à la Mick Ronson. Un solo de saxo baryton vient adoucir l'électricité dans un discours désabusé genre jazz cool. Encore une fois Bowie à l'art du spectre le plus élastique de la pop musique. Ce qui a commencé comme une blague éclate et nous exalte, étirés que nous sommes en de multiples dimensions simultanées.
Stay est le morceau le plus délibérément funky de Bowie. C'est aussi l'un de ses plus efficaces en terme de séduction. Alomar démarre avec un riff accrocheur et les Young Americans rappliquent mais cette fois en pleine dépression nerveuse. C'est entraînant, ils dansent certainement mais le fond n'est pas vraiment à la danse. C'est de perdition qu'il s'agit et le funk y gagne beaucoup. Carlos Alomar avouera avoir été totalement défoncé sur ce morceau. Il se sera bien amusé rajoutera-t-il. Pour clôturer l'album Le Duc interprète Wild Is the Wind, une chanson reprise par Nina Simone (chanteuse que Bowie admire) en 1964, et composée pour une comédie musicale des années cinquante. L'atmosphère est à la résignation. Guitare sèche, basse discrète, c'est la voix qui est en premier plan. Bowie s'allonge en trémolo, chante soul, à fond. Une douceur qui, suite à l'acidité, à la folie, au désespoir qui noie l'album, permet à l'ensemble de ne pas couler comme un petit ruisseau pleunichard et fou. Station to Station n'est pas un saule pleureur, les branches s'arrêtent à temps, avec élégance.
Cet album est toujours présenté comme la transition entre la Plastic Soul et la période berlinoise. Mais bien plus qu'un album pivot dans l'ombre de Low et Heroes, il reste le plus accompli de Bowie parce que le moins évident. Il possède toute la dynamique et l'informel du germe. La théâtralité s'y confond avec la vie. Il n'y a pas de partis pris mais plutôt des sauts dans le vide, des tentatives nerveuses. Les formes sont jouées comme des cartes dans l'excitation d'un jeu dangereux. Et tout l'égocentrisme que provoque la cocaïne est fait pour parer ses sauts de toute cette précieuse prétention qui fait qu'à l'écoute de ce disque on se sent concerner par le centre du monde. L'urgence est intact.

Intemporel !!! 20 / 20

par Toitouvrant

Posté le 01/10/2006
Elégance : voilà le mot le plus pertinent pour décrire cet album, à la fois charnière et exceptionnel, dense et limpide.
La fin de la période glam n'était pas aussi bonne que le début, et Bowie se cherchait à travers un disque concept comme Diamond Dogs, suivi du bel exercice de style qu'est "Young Americans". Page définitivement tournée en 1976 avec cet album et le retour sur le vieux continent, pour une de ses périodes les plus fécondes, trop tôt achevée en 1980 avec Scary Monsters...

Malgré ses titres enchanteurs, l'album ne fut guère un succès commercial, avec juste 6 chansons. Ah oui, mais quelles chansons ! Le morceau titre, l'un des plus longs de l'artiste, nous révèle un Bowie majestueux chantant divinement sur une musique d'une sobriété impeccable : guitares lointaines et grinçantes, rythme mécanique... et puis changement de décor, comme pour marquer la transition vers le nouveau son de Bowie, lequel annonce un retour européen mêlé d'un piano endiablé et de cordes survoltées. La grande messe est dite !
"Goldens Years" balance tellement avec ses 'wawawa' racoleurs et les accents charmeurs de la voix de Bowie, qu'il est devenu un tube l'espace d'un été. Facile, mais dominé du début à la fin par une atmosphère chaude et légère ; tandis que "Word On A Wing" renoue avec les essais de crooner à l'américaine, les arrangements hardis en plus.
Le tempo saccadé de "TVC15" prouve combien Bowie parvient à une fusion inédite entre sa voix et les instruments, tambour battant pendant plus de 5 minutes. C'est un feu d'artifice tiré à grands coups de saxophone détraqué, et puis cette voix qu'on n'arrête plus dans ses intonations. "Stay" poursuit ce même registre charmant où l'artiste cherche à séduire par son instrument vocal inégalable de douceur, flirtant avec une guitare furieusement sexy... Bouquet final qu'est cette admirable reprise de "Wild Is The Wind", où l'expression 'voix de velours' trouve tout son sens, d'une émotion comme rarement Bowie en avait montré, préfigurant la mélancolie de Low...

Comment ne pas classer cet album parmi les meilleurs de Bowie? Et dire qu'il l'a enregistré sous l'emprise aigue de la cocaïne... Soigné sans être pompeux, Station To Station s'impose comme un album riche mais accessible. Entre les années glam et la trilogie berlinoise, le bonheur pour tous les amateurs du sieur Bowie au top de sa créativité. Et ce n'est pas le fait qu'il y ait 'seulement' 6 titres qui peut empêcher de mettre la note maximale à ce chef-d'oeuvre exemplaire : chapeau bas, l'artiste !

Intemporel !!! 20 / 20

par Oneiros

Posté le 16/09/2005
Six titres ok, mais suffisamment riches pour que chacun y trouve largement son compte.

Le plus court atteint quand même quatre minutes ... et le morceau "Station To Station", avec ses deux parties distinctes, ne saurait lasser malgré ses 10mn 11s !
Cet album est en effet un charnière entre "Young Americans" et "Low", entre la plastic soul américaine et la froideur synthétique européenne. La maîtrise totale du groupe permet de faire passer comme une lettre à la poste la complexité du disque, qui n'a pas fini d'intriguer. Tout de même, oser sortir un album aussi déroutant ... quelle audace !
Et cette voix : le Thin White Duke n'a JAMAIS aussi bien chanté. Tout apprenti chanteur de la Starac' devrait écouter ce chant, ne serait-ce que sur "Wild Is The Wind". Ce qu'aucun candidat ne fera jamais. C'est pourquoi nous ne regarderons jamais cette connerie.

Bowie mettait décidemment la barre très haut.
Une vraie merveille, qui annonce la grande époque berlinoise.

Excellent ! 18 / 20

par Thinwhitejs